Interview | 大竹雅生(ミツメ)ギターでどこまでできるか、それを試したかったんです。 Interview | 大竹雅生(ミツメ)ギターでどこまでできるか、それを試したかったんです。

Interview | 大竹雅生(ミツメ)
ギターでどこまでできるか、それを試したかったんです。

“平熱のグルーヴ”で独自の音像を紡ぎ出すロック・バンド、ミツメがバンド6枚目となる最新作『VI』をリリースした。バンドのギタリスト大竹雅生は、自粛期間中に日本フリー・ジャズの巨匠=高柳昌行を聴き、初心にかえって基礎練に熱中。その結果どうなったか。“ギターをもっと使いたい”という気持ちが噴出し、多重録音による美しいギター・アンサンブルが新しいミツメの側面として花開いた。制作では大竹曰く、“メンバーとは言葉なくして進んだ”というが、その真意とは一体?

取材・文=辻昌志 写真=トヤマタクロウ 機材写真=本人提供

自粛期間はずっと基礎練の日々。

今作『VI』ですが「フィクション」など、ギターを何層も重ねた美しいアンサンブルが特に印象的でした。

 テーマとして“重ねる”ことがあったわけじゃないんです。でも、ギターでできることを増やそうとは思っていましたね。前作『Ghosts』ではシンセを多重録音しましたが、今作ではそれがギターに取って替わった。ギターでどこまでできるか、っていうことを試そうという思いはありましたね。

結果的に、今作はギター・アルバムとも言える内容だと思いました。何かきっかけがあったんでしょうか?

 まず、去年の春頃に自粛期間でバンドの予定もなくなり、時間ができたんです。ただ家でダラダラ過ごすのももったいないので、やりたいことを考えていて。自分は一応メインの楽器がギターなのに、プレイヤーとしての自覚や自信があまりないというか……ギターとちゃんと向き合えていないんじゃないかと思いがどこかにあったんです(笑)。で、改めて基礎からちゃんとやり直そうと思って、日々ギターの練習をしていました。

初心にかえったのですね。

 あとその時、高柳昌行さんのアルバムを聴いていて。それで気づいたことがあったんです。彼はフリー・ジャズやノイズ寄りの作品のイメージが強いですが、ちゃんとした基礎が下地にあるんだなと。それで自分も基礎を見直してみようと思ったのもあって、地味な練習をしたり、ジャズの理論書を読んだりしていました。

高柳さんのアルバムでは何がお気に入りですか?

 何枚かありますが、『COOL JOJO』は好きです。ただ、そこで聴いてたものとか練習などが直接的に今作に結び付いたかというと、必ずしもそうではないかもしれないです。

練習の効果はまだ実感されていないと(笑)。

 そういう地味な練習って数ヵ月で何か劇的に効果が出るものでもないし(笑)。というより、それによってギターをメインに据えたいという思いが出てきたというほうが大きいのかなと。

なるほど! それが今作でギターの録音を増やす方向になった面もあると。ギターへの関わり方が変わった、とも言えると思いますが、実際にフレーズの作り方も変化したのでしょうか?

 そうですね。今まではフレーズ自体のおもしろさやフレーズの流れを重要視していたんです。でも、今作ではそれに加えてもっとハーモニーのおもしろさも突き詰めてみたいと。アルバム全体にそのテーマがあったわけではないんですけど。

川辺(素/vo,g)さんとは、ギター・フレーズについて話し合うことはありましたか?

 ギターに関しては僕が考えていくので、制作の段階ではなかったですね。川辺にもギターを弾いてもらう曲で、レコーディング時に“こう弾いてほしい”と伝えることはありましたけど。ただ、今回はわりとメンバー全員が、それぞれのやることに対してあまり意見は出さずして終わりました。

言葉なくしてできあがっていったと。ミツメはずっとそうなんでしょうか?

 普段のようにセッションで曲を作っていく中でも、言葉にして方向性を確認し合うことはあまりないですね。でも集まると“ここはこうしたほうがいいんじゃない?”ってことはその場で言いやすいし、事実多少は言っていましたが。ただ、曲作りの段階でほとんど何も言わないっていうのは今回が初めてかもしれないです。例えばデモに対してドラムの録音が上がってきたらまずはそのまま全部活かしたうえで、どう重ねるかを考える、という感じで。

10年以上バンドをやっていく中で蓄積された信頼ゆえに可能なことなのかもしれませんね。ということは暗黙の了解というか、“こういうことは禁止”みたいな、ミツメにおける不文律ができあがっていると思うんです。それをあえて言葉にするなら?

 全員が意識してるものかはわからないですが、すでにある完成形とかフォーマットにはまらないようにする、というのはひとつあるかもしれないですね。

すでにある完成形というと?

 すでに様式として完成されてるアンサンブルというか……フレーズにしても、定型文になってるものがあると思うんですよね。そういうのはなるべくやめようという。

なるほど。そう考えると、「メッセージ」は展開ごとのフレーズの変化に富んでますね。

 そうですね。これは最初のほうに作った曲だから、ということも大きいんですけど。まだどういうアルバムになるのか、全体像が全然見えてない段階だったから。

挑戦できる段階にあったと。イントロの空気感も独特ですが、何かモチーフにしたものがあったんですか?

 ギターのアレンジ自体は違いますが、構成のイメージとしてはプログレ的というか、場面ごとに雰囲気が違う感じにしたいなと。そこでこの曲は場面ごとにアレンジを練っていって。

ラストのサビのあと、歌に絡み合いながら増えていくギター・フレーズも印象的でした。ここはどういう風に作っていったんですか?

 そこはけっこう紆余曲折があって、何回もアレンジし直しました。この曲は拍の取り方とかも試行錯誤していて。6/8から4/4に戻ったりとか、場面でリズムの感じが変わっていく展開の中で、曲として1本筋が通る状態にするにはどうしたらいいか? と考えて。で、サビではループ的なフレーズを弾いているんですが、さらにリード・ギターだけは場面が切り替わっていく中で、一連のつながったメロディを歌の裏で弾くということをしました。

ループ的に鳴らすっていうのは「システム」のアルペジオにも感じました。

 「システム」もそうですね。よくやってるやり方かもしれません。例えば曲がAメロ、Bメロ、サビという歌モノ的な構成だと、ミニマルな印象をギターで出すことが多くて。ミニマルってことを考えると「システム」と「メッセージ」でアプローチの違いはありますが。反復することによるミニマルと、アンサンブルとしてのミニマルというか。

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