それではマーク・リーボウのセラミック・ドッグ最新作『HOPE』について話を聞いていこう！ 新型コロナ・ウィルスへの対策も万全に、久しぶりの制作を楽しんだという本作。その制作背景や、セラミック・ドッグならではのアプローチなどの話から、ギタリストとしての今のモードを探っていこう。
インタビュー／翻訳＝トミー・モリー 質問作成／文＝福崎敬太 Photo by Joseph Branston/Guitarist Magazine/Future via Getty Images
僕たちが楽しんでプレイした
2週間の音が収まっている。
今作『HOPE』もセラミック・ドッグらしい鋭いギター・サウンドが聴けます。サウンドやプレイの方向性としては、今作はどういったイメージや感情がもとになっているのでしょうか？
たくさんのエモーションがあったよ。でも、制作に際して青写真として思い描いていたものはなかったと思うな。このアルバムを作る前の話からすると、僕らは4ヵ月もの間一緒にプレイすることなく過ごしてきた。というのもCOVID-19ですべてがロックダウン状態になったし、特に僕らのメンバーの1人がもともと肺に病を抱えていたから、けっこうシリアスな状況にいたんだ。もし彼がコロナ・ウィルスに罹患してしまったら大ごとになるのは明確だったからね。
で、去年の5月終わりから6月にかけて、安全にレコーディングを行なう方法がなんとなくわかってきた。ベーシストのシャザード・イズマイリーはレコーディング・スタジオを持っていて、そこに別々に入ったりして互いの姿をほぼ見ることもなく作業をしていったんだ。一緒にスタジオにいても、隔離された別々の部屋でプレイしたし、コミュニケーションもブース間をマイクをとおして話していた。屋内に入る時は手を必ず洗うようにしたし、レコーディング中も気を使うところがけっこうあったね。
万全の感染対策ですね。
それまで何ヵ月もプレイしていなかったけど、急に問題なくレコーディングができる状況を見つけたんだ。そうしたら、それもけっこう楽しいっていうことに気づいたし、僕らは色々な試みもして2週間の録音期間を設けることができた。
とはいえスタジオに入った時にプランを持っていたわけじゃなかったんだ。このアルバムからは、とにかく僕らが再びプレイできることを楽しんでいる様子が感じ取れると思う。つまり、何かを意識したわけでもなくて、僕たちが楽しんでプレイした2週間の音がアルバムに収まっているってことさ。
ダビングする時が
僕が最もクリエイティブでいられる時でもある。
あなたはこれまでに様々なプロジェクトで演奏してきていますが、ほかの現場とセラミック・ドッグでアレンジの流れなどに違いはありますか？
それはあるね。特にトリオでのレコーディングともなると、そういった点に関してはこだわりがある。僕は個人的にはもう1つほかの楽器があるカルテットのバンドでプレイするのが最も快適で、それもあるのかセラミック・ドッグでも大抵ダビングを行なっているんだ。だからのちにライブを行なうとなると、どうやってそれを再現するかその手段を探ることにはなるのだけどね（笑）。基本的には、ベーシックなものをレコーディングして、それに対して僕がダビングするという流れになっている。
レコーディングにおける僕のお気に入りの作業はダビングで、これって僕のセッション・プレイヤーとしての感覚によるものなんだ。ベーシック・トラックを録る時はミスらないように注意しながらプレイし、心の中ではダビングのパートをプレイすることを楽しみにしている（笑）。ダビングする時って僕が最もクリエイティブでいられる時でもあるんだ。ギタリストやスタジオ・ミュージシャンの多くは、もはや譜面を読んで作業しているわけではないんだよ。30年～50年代みたいにアレンジャーがいるような時代じゃないからね。僕らは自分たちの頭の中で、曲を彩ってくれる新たなパートを聴いているんだ。
「B-Flat Ontology」のアルペジオとワウのソロ、「The Activist」のオクターブ奏法とワウのオブリガートなどが聴けます。ここはあなたの“ダビング好き”が出ているのかなと。トリオのセラミック・ドッグの中で、2本以上のギター・アンサンブルを考える時はどのような流れなのでしょうか？
レコーディングをしている最中に思い浮かぶことがほとんどだね。もしトリオのままのプレイでグッドなサウンドなら、トリオのままにさせている。しかし多くの場合、やっぱり僕はダビングを楽しんでしまうからね。「The Activist」はそもそも完璧なインプロヴィゼーションとして始まったところがあって、スタジオでインプロヴァイズしながら全体を作っていったんだ。
逆に「Wear Your Love Like Heaven」は1本で弾ききります。このようなスペースを生かすような楽曲でのあなたのプレイは、和音や単音の使い分け、休符の効果的な使い方など非常に勉強になるのですが、純粋なトリオでリード・ギターを弾く際のポイントを教えてもらえますか？
この曲のアレンジはスタジオに入る前に特にこだわったよ。代理コードをたくさん使っているからね。そもそもこの曲って僕が書いたものじゃなくて、ドノヴァンによるかなり昔の曲なんだ。ただそれを僕がかなり極端に作り変えちゃっていて、オリジナルとはかなりかけ離れたものになっている。
コードの使い方についてはかなり注意深くアプローチしているね。君が言っていることは正しくて、スペースの使い方がとても大事なんだ。この曲では最初からスペースを作りたいと考えていて、ダビングをせずにかなりミニマルな状態にしておきたいと思った。それ以外のこととなると“コードをしっかり押さえてインプロヴァイズした”という感じだね。
僕は“知ることの大切さ”を
信じているよ。
「The Long Goodbye」や「Maple Leaf Rage」のソロのように、あなたが弾く感情的なサウンドはとても鋭く耳に刺さります。インプロヴィゼーションで弾いていると思いますが、メンタル面や奏法面など、どれくらいまでイメージを固めて弾き始めるのでしょうか？
僕はそういった質問をされるのが大好きでね。こういうのってどの音をプレイするかが問題ではないんだ。僕はロックの伝統的な手法、すなわちリックをプレイするというやり方と、アルバート・アイラーがやってきたようなことをミックスさせている。
アフリカ系の人たちがやってきたブラック・ミュージックの重要な本質って、単に最終的なサウンドじゃなくて、“そのサウンドが作られていったプロセスでどんな意図がなされたのか”というところにある。それはすなわち、自由にインプロヴァイズする境地が重要だってことなんだ。君が指摘してくれたパートっていうのはそれぞれ別のものではあるけど、インプロヴァイズするための大きなスペースが与えられていた。特に「The Long Goodbye」の長いインプロヴァイズのセクションは、僕がエモーショナルな領域に入り込んでフリーにプレイすることを求め、その結果ハーモニックな観点でも自由にプレイできているんだ。
「Bertha The Cool」でのジャジィなアプローチも印象的です。
僕は60年代のファンキーなジャズに対して憧れがあるんだよ。僕がニュージャージー州ニューアークの近くで育ったっていうのもあるだろう。ラジオからはグラント・グリーン、ウェス・モンゴメリー、もうちょっとあとになってからジョージ・ベンソンといった人たちが常に聴こえていて、そういった人たちに対する憧れがあったんだ。
ケニー・バレルのようなブルージィさとのバランス感も感じましたが、あなた特有のドライブ感がとてもクールです。この曲はキーAとEのアプローチですが、インプロヴィゼーション時はどのようなことを考えているのでしょうか？
むしろ何も考えないように気をつけていたかな。もちろん僕はどんなキーでプレイしているのかを常に把握している。そもそも僕はブルースをベースとしたプレイヤーで、そこから始まっているからね。それに時には違うキーでプレイすることでテンションを作り出している。それはずっと同じキーでプレイし続けると飽きてしまうからということもあるね。
あなたのギター・スタイルの中でトラディショナルなジャズやブルースというのはどのような存在ですか？
インプロヴァイズする時というのは、記憶に刻み込まれてないものをプレイすることはないと思うんだ。例えば生ゴミをゴミ箱に放り込んでおいて何日かあとに見てみたら、最初に放り込んだ時と状態は変わっているものだろう？ 僕にとってもインプロヴァイズするっていうのはそういったところに近いものがあって、頭の中に捨ててあった生ゴミを拾ってみるんだ。時にはそれが僕の記憶としてはかなり古いものだったりして、当時インプットされた時とは違う形になって引き出されたりする。
様々なジャンルのアーティストと共演し、バックグラウンドが幅広いあなたは、その記憶の引き出しの数がものすごく多いのだと感じます。ギタリストにとって、幅広いインプットを持つことの重要性についてはどのように考えますか？
卓越したギタリストになる方法は1つだけではないと思うんだ。著名なプレイヤーたちの多くはバンドでプレイして有名になり、その結果卓越したプレイヤーになっている。だから多くのギタリストが実は1つのことをうまくやっている気がするよ。たまたま僕は多くのことに興味があって、それらすべてのエキスパートでもないけれど、特定の雰囲気を作るためにどうやってジェスチャーを作り出せばいいのかはわかっている。それができるようになるために、僕はたくさんの音楽を聴いて様々な音楽をプレイしてきた。
現在の音楽産業においては、どうしたら卓越したプレイヤーになれるのかわからないけれど、僕としては常に音楽的に精通していることは重要だと思っているよ。
具体的にどういったことを知る必要があると思いますか？
僕がニューヨークでキャリアを始めた時は、自分のことをギタリストだと言えるようになるためにはチャック・ベリーの音楽をよく知らないとダメだろうと思ったし、今ならそこにシスター・ロゼッタ・サープも加えておきたいところだ。あとは、ギタリストに限らず、ジャズに興味を持つ中でたくさんのサックス・プレイヤーたちにも注目してきた。
それに自らをギタリストと呼ぶのならば、デレク・ベイリーやフレッド・フリスが誰なのかを知るべきだ。アート・リンゼイやアイク・ターナーはもちろん、ヒューバート・サムリン、B.B.キングといった人たちもいてギターという幅広い言語が作られてきたわけで、少なくともそれらを知って然るべきだよね。もし嫌なら無理してやる必要はないけれど、僕は“知ることの大切さ”を信じているよ。
アメリカにいると西海岸と東海岸で
違いを感じることがあるんだ。
「They Met In The Middle」はフリージャズ的なアプローチですが、すごくヒップホップ的でもあります。ヒップホップとあなたのギターはすごく相性が良いと感じるのですが、ご自身としてはどうでしょう？
僕はヒップホップが大好きだし、現代の最もグレイトでポピュラーなブラック・ミュージックの王道のフォーマットだ。もはやこれは1つの伝統だと思って聴いているところもあるし、僕はこれからもヒップホップのレコードでもっとプレイしてみたいと思うよ。ヒップホップのレコードのプロデューサーがこのインタビューを読んでいたら、ぜひ僕に電話してほしいね（笑）。
それはとても楽しみです（笑）。ギタリストとしてはサウンドメイクや音運びで注目されることも多いですが、「They Met In The Middle」でのゆったりしたギターは、早めのBPMとのコントラストもあり、全体のグルーヴ感をタイトにしていると感じます。アンサンブル全体のグルーヴ感において、ギタリストがリズム面で意識すべきことは何だと思いますか？
どの音をプレイするかということよりも、グルーヴは最も大切なことだ。グルーヴを掴むことって本当に難しくて、僕はまったく完璧からは程遠いプレイをしているけれど、常にトライはしている。あとグルーヴってメトロノームのように完璧にプレイしさえすれば良いというものではなくて、一緒にプレイするドラマーやベーシストと“8分音符をプレイする感覚をマッチさせること”が重要だ。だから僕は何よりもリズムを大切にしているよ。あと、アメリカにいると西海岸と東海岸で違いを感じることがあるんだ。
その違いは気になります。
西海岸の人たちってスタジオワークが多くて、スタジオではリズム的にパーフェクトなものをプレイすることを重要視することがある。だからジェイ・ベルローズのような西海岸のドラマーと仕事をする時は、“天才ってこういう人のことを言うんだな”と思わされるよ。その一方で東海岸のプレイヤーたちはハーモニックなことや、何か発明的なアイディアといったものを重視する傾向がある。それに加えて僕の場合、“どれだけロックしているか”ということも重要になるんだ。
なるほど、興味深いです。さて、前作『YRU Still Here?』がリリースした際には日本にも演奏しにきてくれましたね。今はそれが簡単には願えない状況になってしまい残念です。『HOPE』の演奏を目の前で観ることを楽しみにしている日本のギター・ファンにメッセージをお願いできますか？
「Hold On, I’m Comin’」（待ってて、行くからね）ってことだね（笑）。この曲を君は知っているかな？
ソウル、R&Bの名曲ですね。
サム&デイヴの曲名だよ。僕は必ずそっちに行くから、どこにも行かないでくれ。行けるとなったらすぐにでも行くつもりだからさ。
作品データ
『HOPE』
マーク・リーボウのセラミック・ドッグ
P-VINE／PCD-25327／2021年6月25日リリース
―Track List―
01. B-Flat Ontology
02. Nickelodeon
03. Wanna
04. The Activist
05. Bertha The Cool
06. They Met In The Middle
07. The Long Goodbye
08. Maple Leaf Rage
09. Wear Your Love Like Heaven
―Guitarist―
マーク・リーボウ
